미술의 역사

호모 에렉토스가 새겨져있는 조개껍데기는 43~54만 년 전의 것으로 추정됐습니다.

13만 년 전의 흰꼬리수리 발톱 8개 세트에는 아마 보석으로 사용하기 위해 네안데르탈인이 조작한것으로 보이는 절단 자국과 마모가 있습니다. 약 75,000년 전의 작은 달팽이 껍질이 남아프리카의 동굴에서 발견되었습니다

페인트를 넣기 위해 사용되었을 가능성이 있는 용기는 10만 년 전부터 발견되었습니다.

유럽에서 발견된 가장 오래된 예술 작품은 네안데르탈인에 의해 만들어진 Riesenhirschknochen der Einhornhehle 로, 51,000년 전으로 거슬러 올라가게됩니다.

 

약 4만년전으로 거슬러 올라가는 상부 구석기시대의 조각, 동굴벽화, 암각화, 석판화 등이 발견되고 있지만, 그러한 예술의 정확한 의미는 자주 논란이 되고있습니다. 그 이유는 그것들을 만들어낸 문화에 대해서는 잘 알려져 있지 않기 때문입니다.

 

 

 

홀레펠스의 비너스와 같은 최초의 무론적인 조각이나 유사한 예술작품은 스와비안 주라 유네스코 세계유산에 있는 동굴과 빙하시대 미술에서 발견된 수많은 오브제들로, 지금까지 발굴된 가장 오래된 인간 예술 작품 외에도 조각된 동물과 인간 형상의 조각상 형태로 발견되었으며, 이는 기원전 43,000년에서 35,000년 사이의 유물과 함께 인간 예술의 첫 번째 중심지가 되었습니다.

 

 

 

 

 

예술에 있어서의 많은 위대한 전통은 위대한 고대 문명의 한 예술에 기초를 두고 있습니다:

고대 이집트, 메소포타미아, 페르시아, 인도, 중국, 고대 그리스, 로마 및 잉카, 마야 및 올멕. 이러한 초기 문명의 중심지는 각각 그 예술에 있어 독특하고 특징적인 스타일을 발달시켰습니다. 이러한 문명의 규모와 존속 기간에 따라 그들의 예술 작품은 더 많이 존속하고 그 영향력은 더 많이 다른 문화와 후대에 이어져 왔습니다.

또한 아티스트가 어떻게 활동했는지에 대한 최초의 기록도 제공하고 있습니다. 예를 들어, 이 그리스 미술의 시대에는 인간의 신체적 형태에 대한 숭배와 동등한 기술이 발달하여 근육, 건강, 미, 해부학적으로 올바른 비율을 나타낼 수 있었습니다.

서양 중세의 비잔틴 미술에서는 많은 미술이 성경이나 종교문화에 관한 주제의 표현에 초점을 맞추고 있고 그림의 배경으로 금을 사용하거나 모자이크나 창문에 유리를 사용하는 등 천상의 세계의 더 높은 영광을 나타내는 양식을 사용했습니다, 무늬가 있는(평평한) 모양. 그럼에도 불구하고 고전적인 리얼리즘의 전통은 작은 비잔틴 작품에 그쳤고, 가톨릭 유럽의 예술에서는 리얼리즘이 꾸준히 성장했습니다.

르네상스 미술은 물질세계와 그 안의 인간 위치가 인체의 공동체성에 반영돼 3차원 영상 공간에서 불황을 묘사하는 체계적인 그래픽 원근법을 개발하는 데 중점을 뒀습니다.

 

 

동양에서는 이슬람 미술이 도상학을 거부하면서 기하학적인 무늬나 서예, 건축에 중점을 두게 되었습니다.

동쪽에서는 종교가 예술 양식과 형식을 지배하고 있었습니다. 인도와 티베트에서는 회화나 무용이 강조되는 반면 종교화는 조각에서 많은 관습을 차용하고 있어 윤곽을 강조한 밝은 대조색으로 되어 있습니다.

중국에서는 많은 예술 형태가 번성했습니다: 옥각화, 청동 세공, 도자기(진황의 놀라운 테라코타군을 포함), 시, 서예, 음악, 회화, 연극, 픽션 등. 중국의 양식은 시대에 따라 크게 달라졌고, 각각은 전통적으로 지배 왕조의 이름을 따서 지었습니다. 그래서 예를 들어 당나라의 그림은 단색적이고 드문드문 이상적인 풍경을 강조하고 있지만 명나라의 그림은 바쁘고 다채로우며 설정과 구성을 통해 이야기를 전달하는 데 집중하고 있습니다.

일본은 제국시대의 이름을 따서 그 양식을 지었고, 서예와 회화 사이에도 많은 상호작용을 했습니다.

목판 인쇄는 17세기 이후 일본에서 중요해졌습니다.

18세기 서부 계몽시대에는 시계장치 우주에서 물리적이고 합리적인 확실성에 대한 예술적 묘사나 블레이크가 뉴턴을 신의 기하학자로 묘사한 것과 같은 포스트모나크주의 세계에 대한 정치혁명적인 비전을 볼 수 있었습니다.

이로 인해 괴테의 소설에 비유되는 인간의 감정적인 측면과 개성의 사진을 선호하는 로맨틱한 거절로 이어졌습니다.

19세기 후반에는 아카데믹 아트, 심볼리즘, 인상주의, 파우비즘 등의 예술 운동이 많이 보였습니다.

20세기 예술의 역사는 무한한 가능성과 새로운 기준을 모색하는 이야기로, 하나 둘씩 해체됩니다.

따라서 인상주의, 표현주의, 포비즘, 큐비즘, 다다이즘, 쉬르레알리즘 등의 매개 변수는 그 발명의 시대를 넘어 유지될 수 없습니다. 이 기간 동안 세계적인 교류가 증가하여 서양 미술에 대한 이문화의 동등한 영향을 받았습니다.

이처럼, 일본의 판화는(서양 르네상스의 제도술에 영향을 받은) 인상주의와 그 후의 발전에 지대한 영향을 주었습니다. 그 후 아프리카의 조각은 피카소에 의해, 그리고 어느 정도 마티즈에 의해 다루어졌습니다.

 

마찬가지로 19세기부터 20세기까지 서양은 동양미술에 큰 영향을 미쳤고, 원래 공산주의나 포스트모더니즘 같은 서양사상이 강력한 영향을 끼쳤습니다.

 

 

이상주의적 진리의 탐구인 모더니즘은 20세기 후반에 그 달성 불가능성을 실현하기 위해 길을 내줬습니다. 1970년 테오도어. 아도르노는 "예술에 관한 어떤 것도 더 이상 당연하게 간주할 수 없다: 예술 그 자체도, 전체와의 관계에 있어서의 예술도, 예술이 존재하는 권리조차도" 라고 말했습니다.

상대주의는 피할 수 없는 진리로 받아들여져 현대미술과 포스트모던 비평의 시대로 이어지고, 세계와 역사의 문화가 변화하는 형태로 보여지게 되면서 회의와 아이러니로만 평가되고 이끌어집니다. 게다가 문화의 분리는 점점 모호해지고 있어 지역 문화가 아닌 글로벌 문화라는 관점에서 생각하는 것이 적절하다는 의견도 있습니다.

『예술작품의 기원』에서는 독일의 철학자이자 정령적 사상가인 마틴 하이데거가 존재와 진리의 개념에 대해 예술의 본질을 설명하고 있습니다. 예술은 문화 속 진리의 요소를 표현하는 방법일 뿐만 아니라 그것을 창조하고 '존재하는 것'이 드러나는 발판을 제공하는 수단이라고 그는 주장합니다. 

예술 작품은 단순히 사물의 본연의 자세를 표현한 것 뿐만 아니라 실제로는 공동체의 공통 이해를 만들어 냅니다. 

새로운 예술작품이 어떤 문화에 추가될 때마다 존재하는 것의 의미는 본질적으로 바뀝니다.

역사적으로 예술과 예술의 기술과 아이디어는 종종 무역을 통해 확산되어 왔습니다. 그 한 예가 실크로드로 헬레니즘, 이란, 인도, 중국의 영향이 혼합할 수 있습니다. 그레코 불교 미술은 이 상호작용의 가장 생생한 예 중 하나입니다. 서로 다른 문화와 세계관의 만남도 예술 창작에 영향을 미쳤습니다. 그 한 예가 20세기 초 다문화 항구도시 트리에스테입니다.그곳에서 제임스 조이스는 중앙유럽 출신의 작가를 만나 뉴욕시의 문화적 용광로로서의 예술적 발전을 이루었습니다.